La escuela de Düsseldorf

Bernd y Hilla Becher / Gas Tanks / 1983-1992

La escuela de Bellas Artes de Düsseldorf fue fundada por Lambert Krahe en 1762 como una escuela de dibujo, pero no seria hasta finales de los 70 cuando en la escuela de Düsseldorf, la fotografía cobrara importancia. Tal hecho fue posible gracias a un matrimonio de fotógrafos, Bernd y Hilla Becher, quienes fueron los precursores más importantes de la emancipación artística de la fotografía de alcance internacional. 

Bernd y Hilla se conocieron como estudiantes de pintura en la Universidad de Düsseldorf. Su primera colaboración en fotografía fue en 1959 documentando la desaparecida arquitectura industrial. Su trabajo mostraba la fascinación de ambos por la similitud con la que habían sido creados ciertos edificios.

Bern y Hilla Becher

Las fotografías fueron realizadas desde diferentes puntos de vista con una cámara de gran formato, pero siempre en un plano perpendicular al objeto que retrataban. Las imágenes de los edificios con idéntica función fueron mostradas juntas invitando al público a comparar las formas y diseños. Estos edificios eran principalmente graneros, torres de agua, Silos de almacenamiento, castilletes de extracción o altos hornos.

La documenta (con d minúscula) es una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo. Al principio se celebraba cada cuatro años, y desde 1955 lo hace cada cinco, en Kassel, Alemania y dura 100 días. En la quinta y sexta edición  fue donde quedo patente la emancipación artística de la fotografía en Europa 

La obra de los Becher fue cobrando poco a poco importancia en el panorama artístico internacional, desembocando en la creación de la escuela de Düsseldorf, pero en este caso, la etiqueta se atribuía al estilo fotográfico que a partir de ese momento comenzarían a implantar el matrimonio Becher.
Los conceptos en los que se basaban los Becher para realizar sus fotografías, y los cuales a su vez eran las características de su estilo fotográfico son: realismo, distancia y objetividad, premisas que transmitieron a sus alumnos, dando así longevidad a su estilo, de un nivel que hasta ahora nadie ha sido capaz de superar.

Los Discípulos

Entre la primera promoción de alumnos a la que Bernd y Hilla traspasaron sus ideas, conocimientos y sus estética fotográfica se encuentra:

 Axel Hütte

Axel Hütte / de la serie.Naturaleza Sublime

Axel Hütte se dio a conocer no por la fotografía de interiores, sino por sus paisajes, cuya búsqueda le llevó a recorrer todo el planeta. Hütte no considera sus fotografías como simples pinturas paisajísticas realizadas con otros medios. Para él, la reflexión sobresale sobre la percepción, y así lo refleja en sus fotografías, que suelen presentar “alteraciones” que atrapan la mirada.

Cándida Höfer

Cándida Höfer

Höfer, trabajo con los llamados en varios espacios temáticos antes de dar con los “espacios interiores públicos”, los cuales ha continuado fotografiando hasta el día de hoy. Al contrario que Bernd y Hilla, Cándida Höfer realizaba sus tomas en color, hecho que era de suma importancia dado el ascenso de la fotografía en color en los años setenta, que consiguió apartar a la fotografía publicaría que tenia el monopolio del color por aquel entonces y hacerse un hueco por su calidad artística. Sus fotografías, sobre todo la serie de bibliotecas, adquieren de forma ejemplar la cualidad de espacios de reflexión en los que el espectador puede dejarse llevar tanto visual como mentalmente.

Petra Wunderlich

Petra Wunderlich

Wunderlich es sin duda la menos conocida, aunque la más próxima a los Becher desde un punto de vista formal, lo cual también se pone de manifiesto en el hecho de que no emplee formatos grandes, característica que distingue a las obras de sus colegas desde finales de los años 80. También surge en esa época el peculiar enmarcado en madera, además del “procedimiento Diasec” patentado por el laboratorio de fotografía Grieger de Düsseldorf, en el que el papel fotográfico se suelda directamente a una luna protectora de plexiglás. Algo revolucionario para la fotografía contemporánea.

Thomas Ruff

Thomas Ruff

Los primeros retratos de Thomas Ruff, prácticamente vacíos desde un punto de vista psicológico, consiguieron que esta modalidad fotográfica cobrara repentina fama a nivel internacional. Sin embargo, Ruff no siguió dedicándose durante mucho tiempo a este ámbito temático y abordó también muy pronto los medios digitales. Desarrolló numerosos grupos temáticos en los que siempre se enfrentaba a la fotografía como medio de comunicación, muchas veces de forma crítica.

Andreas Gursky

Andreas Gursky

Gursky era el romántico del grupo, con aires de contemporáneo. Aun así, sus fotografías te transportan a un universo donde a veces no importan las perspectivas o estas se vuelven incoherentes, transformando el mundo en un conjunto de ornamentación radicalizado. Al contrario que los Becher, crea imágenes individuales en las que se condensan los motivos que acuñan nuestra vida hasta convertirse prácticamente en símbolos.

   ///

Quieres o Amas

Roland Barthes / 1915 -1980

Crítico, ensayista y semiólogo francés. Fue uno de los principales representantes de la nueva crítica o crítica estructuralista.

Su carrera como teórico y estructuralista fue extensa, y siempre revuelta, pues sus puntos de vista sobre música, arte, cine o fotografía respondían a nuevas críticas siempre cambiantes en su viaje intelectual.

Barthes murió en la primavera de 1980 tras ser atropellado en la Calle de las Escuelas, frente a la Sorbona. Su último libro La cámara lúcida sobre la fotografía, salió por esos días

En esta pequeña joya, Barthes desarrolla si idea de la fotografía como huella de la realidad, como marca en el tiempo. La experiencia de la muerte de su madre traslada a Barthes a su estado de ánimo y el traslada este a la teoría de la fotografía. Por ello, fotografía y muerte son los dos temas indisolubles del libro.

Es una obra muy personal en la que se deja llevar por sus propias sensaciones y la búsqueda de la esencia de la fotografía a través de lo que sería un pensamiento objetivo, así como por la idea de que la fotografía sólo adquiere valor con el paso del tiempo, pero en el caso de Barthes este valor también viene cuando se produce la desaparición del referente y la muerte de la persona fotografiada.

Da inicio a su discurso recordando que la fotografía repite los instantes irrepetibles. La fotografía lleva siempre su personaje consigo y están marcados por la misma inmovilidad amante o de muerte, además Barthes confiesa que lo que realmente le interesa es ahondar en la fotografía como se mete un dedo en una herida abierta, y no abordarla como si de un tema de la escuela que estudiar se tratara.


Barthes afirma que la fotografía tiene dos elementos que son el studium y el punctum, el studium tiene que ver con lo que nos atrae según nuestra cultura y nuestros gustos, y el punctum tiene mas que ver con las cosas que sentimos sin tener razón para ello, los sentimientos que afloran sin saber exactamente porqué. Barthes considera que el punctum de una foto es lo imprevisto que en ella sobresale.


El punctum muy a menudo es un simple detalle, puede ser mal educado por lo que puede ser interpretada de distintas formas, llegando a situaciones en las que puede inundar una fotografía por completo. Por otra parte el studium, está siempre codificado, esta sujeto a nuestra educación o nuestros valores así como a nuestros gustos o aficiones. El punctum es una implementación inconsciente, algo que añado a la fotografía, pero que ya se encontraba en ella previamente. 

Barthes busca incesantemente en qué se diferencia el referente de la fotografía de otros sistemas de representación. Es así como llega finalmente a pensar de manera objetiva en lo que a fotografía se refiere. Lo que está claro entonces es que la foto hace al referente resaltar. Toda fotografía es un certificado de presencia. A juicio de Barthes es la llegada de la fotografía lo que divide la historia del mundo y no el cine. Barthes señala así mismo hay que interrogarse sobre si la fotografía es analógica o codificada. En la foto el poder de autentificación prima sobre el poder de representación.

 Luego menciona una serie de características también de la fotografía: La imagen fotográfica está llena, abarrotada: no hay sitio para ser añadido algo. La fotografía excluye toda purificación. En la fotografía, la inmovilización del tiempo sólo se da de un modo excesivo. La fotografía es violenta porque llena a la fuerza la vista y porque en ella nada puede ser rechazado, ni transformado. El tiempo es el desgarrador énfasis del pensamiento objetivo, su representación pura. En la fotografía se mezcla, de alguna forma, el pasado y el futuro. Por ejemplo cuando habla de la fotografía de su madre dice: ella va a morir y ella ha muerto. Cada uno lee la fotografía como quiere. La fotografía no sabe decir lo que te va a ofrecer ver. En el fondo, una fotografía se parece a cualquiera excepto a quien representa, a veces hace aparecer cosas que nunca se perciben. La fotografía mira directamente a los ojos. La mirada es al mismo tiempo efecto de verdad y efecto de locura. Barthes ve a la fotografía como una forma de alucinación.

Barthes cree que existe una especie de vínculo entre la fotografía, la locura y lo desconocido. La fotografía puede ser loca o cuerda .Existe otro punctum que no está en la forma sino que se encuentra en el tiempo. Dice que la fotografía es un objeto de deseo o de odio. Escribe sobre qué es lo que puede hacer que nos interesemos por una foto: Se puede desear al objeto, el paisaje, el cuerpo que la foto representa; ya sea amar o haber amado el lo que reconocemos en ella, o asombrarse de lo que se ve en ella.

Una de las cosas que claramente queda plasmada en esta obra, es que toda imagen y fotografía, comenzando por lo que principalmente lo ha movido a escribir la obra, lo mantienen unido a ellas por los sentimientos que le inspiran o recuerdan. La fotografía capta instantes ya pasados, movido por el tema general de la Muerte, el autor nos habla de ese sentimiento del ser que fue y que tal vez ya no esté, pero que continua siendo en la imagen.
También habla de la fotografía como arte, incluyendo al cine. La fotografía puede ser un arte,siempre y cuando no haya demencia en ella, y su esencia no actúe demasiado sobre mí. El cine participa de esta costumbre de la fotografía o al menos el cine de ficción, un film puede ser demente por el ingenio, presentar los signos culturales de la locura, pero nunca lo es por propia naturaleza. Es una ilusión, su visión es meditativa. 

Prácticamente al final de este texto, Barthes explica cómo la imagen influyó y sigue haciéndolo en la sociedad, en su vertiente más icónica, simbólica y representativa: Lo que caracteriza a las sociedades llamadas avanzadas es que tales sociedades consumen en la actualidad imágenes y ya no, como las de antaño, creencias; son más liberales, menos fanáticas, pero también más falsas y menos auténticas , cosa que nosotros traducimos, como si la imagen al hacerse de todos produjese un mundo sin diferencias.

Hay, por lo tanto, en este mundo cubierto y saturado de imagenes, algunas que despiertan en nosotros un estado de alerta, estas serian ''To like'', y por otra parte, para mi la mas importante, estan aquellas en las que nos detenemos, auqllas que despiertan sentimientos en nuestro cerebro, nuestro corazón y nuestra alma, fotografias que nos obligan a cerrar los ojos y crean la necesidad de guardarlas en ese rincon de nuestra memoria reservado ''To love''

''to like''

Aquí presento la selección de imágenes que puedo recorrer durante minutos, pero que aun así no llegan a alcanzarme el alma o el corazón.

Willy Picard

Harry Calahan

William Eggleston

Eric Mencher

''to love''

Para este apartado he reservado las fotografias que me disparan directamente en el centro del alma, imagenes en las que podria estar abstraido segundos, minutos, horas, años, y aun asi no sabria decir exactamente porque las estoy mirando tan detenidamente. Imagenes donde el punctum quiza no lo sea asi para todo el mundo, o quiza muchos lo compartan conmigo, pero aun asi, no puedo evitar sentir que, cuando me encuentro frente a frente con una de estas, desaparezca el mundo y la fotografia me envuelva por completo.

Trent Parke

Sally Mann

Mareen Fischinguer

Masao Yamamoto

Trovadores Contemporáneos/Megias

Juan de la Cruz Megías

 fotógrafo murciano, pero no marciano, en este texto, el artista nos da la oportunidad de encontrar soluciones a problemas que podríamos encontrarnos en nuestra carrera como fotógrafos y dándole un toque imaginativo y de humor.


En este texto, Megías nos explica como comenzó siendo el fotógrafo oficial de su familia, ya que era el único que tuvo el interés necesario como par conseguir que le regalaran una cámara y le patrocinaran el equipo necesario. Durante esta época, y como el mismo nos cuenta, fue cuando paso su verdadera época como fotógrafo, ya que realizaba las tomas sin miedo, sin prejuicios, con la frescura de quien todavía no ha sido intoxicado por el mundo adulto, quien ama con el corazón y no con la cabeza.

Mas adelante se convirtió en el fotógrafo todoterreno de su pueblo, y comenzó a realizar los reportajes de las bodas, bautizos y comuniones de sus parientes cercanos (ya que seguía siendo el único con cámara) y fue aprendiendo de otros fotógrafos del genero, con los que hizo buenísimas migas.

También realizó fotografía de arquitectura, manteniendo siempre su trabajo como fotógrafo de eventos sociales. Siempre ha afirmado que no le gusta la fotografía de boda pero aun así, el lo que consigue es pasárselo bien fotografiando, de esta manera consigue siempre buenas fotografías.

Megías dice:

"Es verdad que no me gustaba mucho las bodas, pero esto lo compensaba mi amor por la fotografía. Me prohibí aburrirme"
Me complace encontrarme con fotógrafos de esta guisa, ya que te animan a buscar tu camino en este mundo de la fotografía, dándote a entender que nunca sabes a que te vas a acabar dedicando, y que, siendo así, a pesar de que acabes dedicándote a hacer un tipo de fotografía que no te satisfaga, lo que debes hacer es seguir siendo tu mismo y hacer que la fotografía no se convierta en una obligación, sino en un placer.

Y añade:

"Los arquitectos dibujan sus pensamientos y proyectos en un papel, en dos dimensiones, luego llegan los albañiles, que convierten esos sueños en realidad, tres dimensiones, y por último, es el fotógrafo el encargado de interpretar y describirlo en papel, de nuevo en dos". 

Me encanta esta cita de Megías, porque a mi personalmente, lo que me dice es que por muchas vueltas o giros que te de la vida, al final todo vuelve en sí, todo vuelve a lo sencillo, lo fácil, y se hace fácil porque haces lo que de verdad amas.

Cada boda es un nuevo desafío y se enfrenta a ella intentando que sea mejor que la anterior, si estás atento puedes fotografiar momentos únicos, aunque creas que todas las bodas se parecen, ninguna es igual a la otra. Como en el cine, se vale de la iluminación y la técnica para hacer los retratos más favorecedores, además aprovecha los recursos reales que tiene para fotografiar a los novios, no busca escenarios ideales que no existen. Por eso considera importante la entrevista previa con los novios, conociéndolos, sabe lo que tiene que fotografiar, convirtiendo así en "cómplice para poder escribir y contar ese momento tan importante en la historia de sus vidas".

Se refiere a Murcia como un oasis en medio del desierto, en el que la gente busca lo que no tiene para realizar sus fotos de boda, los clientes le piden verde, le piden crear una realidad virtual que no tenga nada que ver con la realidad que viven día a día, hecho que es en sí mismo muy similar a una boda, los novios buscan en las fotografías lo que no tienen, ya que, al igual que la boda, será(o al menos eso se pretende) irrepetible.

Ya en su plena madurez personal,puesto que nunca alcanzara la fotográfica al estar siempre reinventándose,cosa que no necesita ya que lo único que necesita hacer para gustar es ser el mismo, Juan de la Cruz Megía realizó su primera exposición. Expuso a los cuarenta años, a pesar de su pensamiento de exponer una vez acabada su carrera, y esta exposición le llevo a ser, entre otras cosas, alabado por la critica, llamado a ser participante en los visionados de portfolios de Photoespaña y a conseguir que le expusiera la famosa galería H2O de barcelona.

En definitiva, un talentoso autor y artista murciano que, al menos a mi, me deja buen sabor de ojos, animándonos a no caer en el clásico pensamiento de que en las ciudades o pueblos pequeños no hay nada que hacer en el mundo del arte.

La era de la reproductibilidad

Walter Benjamin / 1892-1940

Filósofo y crítico alemán. Hijo de un anticuario israelita, estudió en Berlín y luego en una escuela particular de Turingia. Publicó sus primeros ensayos en la revista juvenil Der Anfang. En 1917 se casó con Dora Pollak, y junto a ella marchó a Suiza para seguir los cursos de la Universidad de Berna, donde se graduó en 1919 con una tesis acerca del concepto de crítica artística en el romanticismo alemán.

A su vuelta a Berlín, llevó a cabo una traducción de losTableaux parisiens de Baudelaire, y preparó el plan de una revista que no llegó a ver la luz. En 1922 Hofmannsthal le publicó en ''Nuevos mensajes alemanes'' un ensayo sobre Las afinidades electivas de Goethe.
                                                                               
Entre 1923 y 1925 Benjamin trabajó en su obra más amplia: otro ensayo, esta vez referente a los orígenes del drama barroco alemán. El texto en cuestión, constituye un ejemplo del método especulativo de su autor, cuyo pensamiento no se ciñe a la meditación de los clásicos temas de la filosofía, antes bien, brota de una aplicación al dato concreto cultural; de ahí el aspecto de ensayo que presenta la investigación filosófica de Benjamin.
                                                                               
Presentado el trabajo a la Universidad de Frankfurt, le fue negada la licencia profesional correspondiente a que con ello aspiraba. Inició entonces el autor una amplia colaboración en diarios y revistas que frecuentemente le deparó la oportunidad de viajar por Europa. Bajo la influencia de la directora escénica letona Asja Lacis y de la obra de Lukács Historia y conciencia de clase se aproximó al comunismo; en su pensamiento, nunca cerrado en una ortodoxia, el concepto marxista de la enajenación ocuparía desde entonces un lugar esencial.

La reproductibilidad técnica de las obras de arte

En uno de los muchos escritos que Benjamin realizó hace ver muchas de las predicciones que hizo Karl Marx en cuanto a la ascensión del proletariado y lo que esto supondría al arte.
                       
Desde siempre, la reproductibilidad de una obra la ha marcado, ya que somos unos seres que copian para aprender. Pero al reproducirla una y otra vez, dicha obra cambia y pierde autenticidad.Desde que los alumnos de artista por todo el globo comenzaran a copiar para aprender y conseguir ser diestros en su arte y hasta la aparición de la imprenta, cuyo hecho propulso de una manera increíble la reproducción en masa, son carreteras secundarias comparadas con la autopista que fue la llegada de la litografía, la cual hizo que la protagonista de las reproducciones comenzara a ser la imagen, siendo esta superada con creces por el nacimiento de la fotografía.
Benjamin, nos plantea un nuevo concepto en relación a la fotografía, ''el aura'', definiendo esta como aquello inexistente que rodea una fotografía, pero que a su vez es lo que hace que no podamos dejar de admirarla y que nos cause un cumulo de sensaciones inexplicables unidas a la obra. Ver lo que el autor vió, sentir lo que sintió.
Ahondando en la idea de la existencia de condiciones materiales en la productividad en un nivel superestructural, Benjamin, daba pie al pensamiento de entender el arte como una innovación tecnológica, con la creación de un nuevo concepto de arte e igualdad de recepción.

A dia de hoy el tema de reproducir una obra es tan sencillo como apretar un boton, no como cuando se hacia a mano con bastos instrumentos, y esta facilidad es la que hace que una obra de arte pierda su aura.

Benjamin afirma que el arte se encuentra al alcance de las masas y lo que se deteriora es el aura en esta época de reproductibilidad y que la organización de la percepción humana está condicionada tanto de manera natural como histórica.Dice: "Día a día se hace vigente, de manera cada vez más irresistible, la necesidad de apoderarse del objeto en su más próxima cercanía, pero en imagen, y más aún en copia en reproducción".

En su desahogo contra la reproductibilidad, Benjamin tambien tiene para el cine, al cual se refiere como el medio en el que se unen imagen y sonido y asienta la critica de que se considere al cine una disciplina artistica mas y imbuye tambien el concepto de aura, declarando que los verdaderos poseedores del aura son los actores de teatro por aquello de estar en contacto directo con el publico, mientras que compara la pantalla del cine con la obra pintada, afirmando que esta última al ser estática es la que es mas susceptible de ser admirada e invocar el éxtasis, todo lo contrario que la efimera pantalla de cine.

Benjamin nos habla de la autenticidad, en lo que se refiere al aquí y el ahora. Lo auténtico mantiene su plena autoridad frente a la reproducción manual, a la que por lo regular se califica de falsificación, no puede hacerlo frente a la reproductibilidad técnica, ya que la reproducción técnica resulta ser más original que la reproducción manual.

Para concluir, he de indicar que en este texto de Walter Benjamin mantiene una apegada relación con la fotografía actual.A día de hoy, quien marca las tendencias sobre el valor y la admiración de las obras de arte son aquellos que tienen mas poder adquisitivo, pero en mi opinion esto no es mas mas que un futil error bastante importante, ya que estamos olvidando que lo verdaderamente importante es el aura y todo lo que esta conlleva. Debemos volver a valorar la obra en si y lo que esta nos lanze a la cara en forma de sentimientos y no solo dejarnos llevar por el valor que otros le otorguen.

Juicios instantáneos/ Los genios de la fotografía cap.6

99 Cents/Andreas Gursky/2,54 Millones de euros.

El mundo de la fotografía vive actualmente inmerso en una época de reproductibilidad infinita. Las obras fotográficas son reproducidas una y otra vez. Cada una de esas copias no hace otra cosa que devaluar el valor de las mismas.

A partir de la segunda mitad del siglo XX, los coleccionistas buscaban las fotografías originales, las copias que el mismo fotógrafo había reproducido con sus manos. Llegando al punto en que los ayudantes de los fotógrafos, una vez fallecidos estos, reproducían los negativos una y otra vez y los vendían como originales, creando así la duda sobre la veracidad de las copias.

Pero ¿Cómo podemos saber el precio de una fotografía y si este concuerda con la autenticidad de la obra? Simplemente no se puede. Lo que impera en la actualidad no es tanto la relevancia de la fotografía, su precio o su calidad documental, como su cercanía al momento de la toma por el mismo fotógrafo, teniendo muchísimo mas valor si la copia fue realizada por el propio artista.

Pero no por ello dejan de crearse copias de artistas, están siguen reproduciéndose de manera desmesurada, pero actualmente el fotógrafo debe pensarse seriamente la cantidad y la distribución de sus copias, así como en manos de quien o que equipo deja a cargo la reproducción de su obra.

En cuanto a las fotografías que a mi parecer merecerían estar entre las mas valoradas economicamente, comenzare diciendo que me parece maravilloso que se sigan vendiéndose y que se valore tan altamente las obras de artistas clásicos, o genios de la fotografía, y aquí lanzo mi piedra en contra del ''clasiquismo'' que reina en la venta de fotografías, y de como mientras se siguen vendiendo las copias de Adams, Gursky, Capa o tantos otros clasicorros, por cantidades poco menos que excesivas, autores que están naciendo a lo largo y ancho de todo el mundo, tienen, o que por una parte, y de mano de enchufismos varios o de mecenazgos chanchulleros venderse como fotógrafo y hacer lo que ''gusta'' en vez de lo que el propio fotógrafo ama, o por otra parte, verdaderos cazadores de luz, que siguen su camino y no lo abandonan por muchas embestidas que reciban por parte de galeristas o tiburones de las ventas, y se ven por lo tanto obligados a malvender sus fotografías (verdaderas obras de arte) por miserias que no se acercan lo mas mínimo a su valor real, artístico y documental. Por lo tanto mis fotografías candidatas a ser las mas cotizadas del mundo, seguramente, no las conoceréis, en caso contrario, felicidades.

Timothy O'connell / Serie: ''The Totalitarian Beast''

Aminta Pierri / Serie: ''Il fabbricante di zucchero''

Pablo Montllau / Proyecto: ''Mañana''

Cris Romagos

¿Sueñan los androides con ovejas electricas?

Blade Runner, un clásico del cine de ciencia ficción y un catalizador para inventos futuros(videoconferencia, fotografía 3D)

Una película sobre lo real y lo aparente.

Íntimamente ligado al universo de lo visual (el ojo y la mirada) está el de la dialéctica con las diferencias entre apariencia y realidad. Hay que tener cuidado ya que la vision no es un tesstimonio totalmente veridico de la realidad.  Blade Runner contiene múltiples simulaciones o fraudes. Las fotografías son testimonio de un pasado que no existe (como las fotografías de la sobrina de Tyrell que la replicante Rachel atribuye a su propia infancia). Los recuerdos son mas fragmentos de sueños introducidos en los circuitos de los replicantes, que recuerdos en si mismos. Incluso los animales que parecen reales, como el buho que se encuentra en la compañia Tyrell, son en realidad trabajadas replicas de animales que ya no existen , y en eso el guión de la película sólo recoge un pequeño recalco de un elemento central de la novela de K. Dick. 

El de Blade Runner es un mundo donde la publicidad, emperatriz de la apariencia lo cubre todo. Sus personajes son buscadores que, escarbando en ese basurero de la apariencia, acaban viendo cómo su búsqueda da un giro completo.Deckard es un detective-cazador de replicantes que termina encontrando la verdadera sensibilidad que el ser humano ha perdido ya hace tiempo en las palabras de un replicante, mientras que Roy busca su propio sentido, busca su razon de vivir a traves de la busqueda de su creador y acaba encontrando su existencia en un ambito cosmico o global en el hecho de salvar la vida a un humano.

El interrogatorio de Leon da comienzo a la película con un puñetazo en la mesa al principio de que lo real es lo aparente, puesto que, a fin de cuentas, ése es el principio que rige el proceder de Holden. El test Voight-Kampff ha de hacer aparente la insensibilidad algo inherente a los replicantes, de Leon. 
Volviendo a la secuencia inicial desde el punto de vista interpretativo y en el al enorme ojo en primer plano, que parece proponer una paradoja no por ser evidente es menos rica: ver lo visto en el ojo mismo. El reflejo de la ciudad nocturna, con sus luces, sus edificios, las inquietantes llamaradas.

 Bastan unas lecciones elementales sobre la visión humana para entender que la imagen retiniana no es más que el estadio inicial de un proceso (la visión) que no culmina hasta el procesamiento en el cerebro (a través del nervio óptico) de esas proyecciones. No obstante, lo que está siendo movilizado aquí no es más que una convención cinematográfica: ¿cuántas veces hemos visto en las películas el reflejo en el ojo como un indicador de que alguien ha visto algo o a alguien?, por no hablar de los raccords de mirada y los movimientos de cámara. Pero, por si fuera poco, las imágenes de la ciudad que Holden ve tampoco son reales: es una maqueta (pensará con razón el lector); sin embargo, hay una última vuelta de tuerca, genuinamente cinematográfica, algo más velada: hay imágenes de Blade Runner que son la suma de hasta 27 elementos filmados por separado y  para redondear, los paisajes finales entre los cuales tiene lugar la huida de Deckard y Rachel están construidos a partir de descartes de El resplandor (The Shining, 1979) de S. Kubrick.

Bajo la sombra del hielo helado

¿Quién era "Capa" y a qué crees que se debe su relevancia como fotógrafo?

Robert Capa era la suma de dos fotógrafos jóvenes con ganas de introducirse de lleno y por sorpresa en el mundo de la fotografía, y a poder ser, causando el mayo impacto posible. Endre Friedmann y Gerda Taro, compañera de vivencias del joven Endre, eran los artífices de la creación del fotógrafo documental Robert Capa, como suma de sus dos talentos fotográficos. El echo de que se publicaran las fotografías de ambos como si fueran de uno solo, da lugar a que los buscadores del verdadero autor no lleguen a vislumbrar cual de los dos fotógrafos realizo realmente la toma.
En mi opinión su relevancia como fotógrafo surge a raíz de que estuvo presente en la gran mayoría de los conflictos armados que tuvieron lugar en esa época, pudiendo así dar testimonio de todos y cada uno de ellos. También me parece un echo reseñable el que Robert Capa fuera el primer fotógrafo en captar el instante mismo de la muerte en la fotografía  "La muerte de un miliciano"

¿Por qué esta imagen fotográfica se convirtió en un símbolo de la lucha republicana?

Se convirtió en la imagen de la lucha republicana porque aunaba en una misma imagen el mismísimo instante de la muerte que era a la vez la imagen de la muerte de una persona que no mantenía una actitud de defensa y la del poder ofensivo del enemigo, no presente en la imagen pero si obvio de manera abstracta en la muerte del hombre.
 
¿Qué otras fotografías han seguido un proceso parecido y se han convertido en símbolos de una época?

Desde mi punto de vista estas son algunas de las fotografías que han marcado un punto de inflexión en la historia: 

El asesinato Inejiro Asanuma, 1960 

Yasushi Nagao

En el lugar exacto en el momento exacto. Yasushi Nagao hizo valer esta frase al inmortalizar, un segundo antes de que el cuchillo se clavara en el vientre del líder socialista, la que sería su última fotografía. Le valió un premio Pulitzer.

                              Monje a lo Bonzo, 1963

Malcolm Browne

El 11 de Junio de 1963, Thich Quang Duc, monje budista residente en Vietnam, decidió quemarse a lo bonzo en una concurrida calle de la capital como protesta a la represión de los policías católicos, que controlaban la zona sur del país, hacia su religión, ya que les habían negado la libertad de practicarla con los mismos derechos que los católicos. Lo mas escalofriante del momento es que el monje no movió ni un solo músculo mientras moría calcinado.

Bomba de Napalm, 1972

Esta fotografía fue tomada un 8 de junio de 1972, en el sur de Vietnam, durante la Guerra de Vietnam. Retrata a una niña gritando -según una entrevista posterior al fotógrafo, la niña gritaba: “Nong qua, nong qua” (Está caliente, está caliente)- después de que los aviones soviéticos lanzaran una bomba de Napalm, una especia de gasolina gelatinosa, utilizada comúnmente en los lanzallamas de la Primera Guerra Mundial. La niña murió poco después en el hospital, debido a las quemaduras. Nick Út ganó el premio Pulitzer. 

¿Qué aportaciones hace el documental a la investigación sobre la famosa fotografía de Capa?

El documental gira en torno a la cuestión de si la foto de "La muerte de un miliciano" es real o no, y dejando de lado quien como y cuando se realizara la foto, de lo que deja constancia es de el echo de que la fotografía en definitiva, funcionó como tal.

Lo que aporta el documental a la investigación de la famosa fotografía es que ni el miliciano era quien en un primer momento se dijo, que no murió cuando se había fechado, y que por lo tanto lo que consiguieron Friedmann y Taro fue crear un echo histórico partiendo de una imagen.

We are family/Los genios de la fotografia Cap.5

¿Que buscan los fotógrafos en sus fotografías? 

Bajo esta cuestión se articula el quinto capitulo del documental Los genios de la fotografía, y la respuesta es la mayoría de las veces la misma, la identidad. Tanto el darle una al sujeto de la fotografía como de acabar por encontrar una para el fotógrafo mismo.

Este capitulo analiza como, llegada la década de los noventa, el estilo del retrato fotográfico da un salto dejando de ser una manera de simplemente captar la imagen y personalidad de la persona objeto de la fotografía, y pasando a ser una forma de contar una historia, una manera de narrar la vida, los sentimientos y vivencias de dicha persona.

Para poder transmitir todo lo que desean pasan a fotografiar lo mundano, las calles, la familia, las parejas, tratando de reflejarse ellos mismos en todo lo que les rodea.

Podemos observar tanto las historias de fotógrafos que retratan su propia realidad de la manera mas cruda, como los que lo hacen desde la mas absoluta preparación y premeditación.

Diane Arbus-Curiosidad innata

La viva imagen de la curiosidad, era innata en ella. Arbus tenia la capacidad de sobrecogerse ante la individualidad de las personas que fotografiaba y de algún modo esto hacia que el retratado se relajara de tal manera que acababa mostrando su verdadera realidad ante Diane. Su trabajo, aunque genial, siempre giraba a su alrededor. Su obra es la de alguien que, poniéndose en la piel de los demás, no buscaba otra cosa que ser cualquier persona, excepto ella misma. Deseaba desesperadamente no ser quien era. Fotografiaba a aquellos en quienes veía reflejados sus miedos y sus debilidades. Vivió un momento de desesperación social, debido en su mayor parte a la participación del país en la 2ª guerra mundial, lo que la permitió retratarse, puesto que el estado social de su nación era su estado de ánimo, la desesperación y la desilusión, 





Nan Goldin-Recordar 

En el caso de Nan Goldin, su fotografía partía de una realidad, no intentaba ser o parecer ser alguien, simplemente fotografiaba el mundo que le rodeaba a partir de el mismo.
Su fotografía busca conservar de alguna manera tanto las experiencias a lo largo de su vida, como las personas que han pasado por ella, descubriendo que no podía conservar a alguien con fotografías y que estas, le ayudarían a no dejar que la nostalgia difuminara los malos momentos.





Larry Clark-Cruda realidad

Al tiempo que Estados Unidos se desquebrajaba , Larry Clark se dedicaba a fotografiar su propia vida, salir con los amigos, drogarse y mantener relaciones sexuales. La diferencia con, por ejemplo, Arbus o Avedon es que Clark era miembro de ese circulo. No era un extraño. Era parte de ellos y no de nosotros. Su fotografía era tan cruda, personal e intima como las palabras escritas en un diario, era uno con lo que fotografiaba. Clark, siendo simplemente un chaval con cámara, un chico que lo único que hacia era tomar instantáneas de su vida día a día, no se vió el mismo como fotógrafo hasta que publico todas esas fotografías recopiladas en un libro. Sin ser totalmente consciente de ello, su manera de fotografiar a modo de diario ha sido el principio de lo que ahora es una parte ahora esencial de la fotografía.

Richard Billingham- Desestructuración premeditada

Billingham también se dedico a retratar su vida familiar, pero de una manera totalmente opuesta a como lo hizo Clark. Su manera de captar a su familia era totalmente externa, no participaba para nada en el entorno familiar, era un simple observador.Lo que Billingham realizaba no era un retrato de su familia, era mas una escenificación en la que su padre y su madre eran simples actores cuyos papeles eran tan sumamente reales que rozaban el absurdo. No le importaba el aspecto o la situación que su familia pudiera tener cuando los fotografiaba, lo único que buscaba era captarlos.

Sally Mann-Familia inmediata

Sus imágenes muestran el conflicto entre la buena madre y la buena artista. Mann hizo fotos de sus hijos en una infancia idílica, rodeada de los peligros de la vida y de miradas adultas. Continua haciendo fotos de sus hijos ahora que son adultos.
Busca afianzar la relación con los miembros de la familia que fotografía, la refuerza.
En sus fotografías sus hijos crean una magia por sus maneras de colocarse, por sus expresiones, por simples y pequeños gestos que los convierten en el centro de la imagen.
Sally Mann busca mostrar momentos felices y amargos, dejando patente que la vida familiar es bastante mas complicada de lo que aparenta.



Larry Sultan-Espejo parental.

Fotografió a su familia durante diez años. de mediados de los setenta a mediados de los ochenta. 
Sultan no se sentía identificado con los valores familiares que promovía el gobierno de ese momento, y es por ello que para rebatir al presidente Reagan, Sultan asignaba papeles a sus familiares, roles por los que sus padres no se veían identificados, lo que conseguía aplicando estos papeles era que los sujetos de su familia a los que fotografiara dejaran de ser ellos mismos para pasar a ser un reflejo del mismo Sultan. La única manera de acercarse realmente a las personas que vivían con el y que estaba retratando era distanciarse de ellas lo suficiente como para de verdad estar cerca.

En la época en la que Larry Sultan se veía reflejado en su familia, se produjo un gran cambio en la fotografía, un cambio llamado por la llegada de la postmodernidad. Nace a raíz de que vivamos en una cultura de la saturación, vivimos saturados por imágenes y modelos de como debemos vivir, de como debemos construir nuestra vida y quienes somos a partir de una especie de mito mediático. El postmodernismo niega la idea del retrato, la idea de que es posible arreglarse e ir a un estudio y allí demostrar la fuerza de tu carácter o tu humanidad inherente. Según el análisis de la postmodernidad no tenemos humanidad inherente, somos una amalgama de muchos mitos e historias que han escrito otras personas. En este ideal fotográfico y esta situación artística trabajan Cindy Sherman y Phillip-Lorca di Corcia, negando la identidad asumiendo todas las posibles y creando sus propias escenas de la vida real.


Cindy Sherman-No identidad

Cindy Sherman convirtió un juego de niños como puede ser disfrazarse, en un modo de arte. Poniéndose pelucas y adoptando roles de situaciones mas que de personas, conseguía negar su propia identidad. Sherman no hace autoretratos, hace retratos de situaciones, de roles o estereotipos de personas en determinadas situaciones. La reina de la no identidad ya ni siquiera sale a la calle a hacer fotos, ella misma es todo lo que necesita para hacer fotos, ella conforma todo el equipo.








Phillip Lorca di Corcia-Vidas Creadas

El trabajo de este fotógrafo cuestiona la idea de que la fotografía se caracteriza por la autenticidad y la verdadera empatía cuando muestra la vida de los demás. di Corcia transforma las calles de ciudades y barrios marginales en decorados de hollywood, iluminándolos y preparándolos para que pierdan esa veracidad y realismo.

Otros autores similares a di Corcia son Gregory Crewdson y Jeff Wall:

Gregory Crewdson

Jeff Wall